La peinture pop art est devenue populaire dans les années 1950 et 1960 en réponse aux approches dominantes de l’art et aux visions traditionnelles de ce qui constitue la légitimité artistique. Issu d’un rejet des traditions des beaux-arts, le style s’inspire et emprunte à la culture de consommation de masse, notamment aux affiches de films, aux emballages de produits, aux bandes dessinées, à la publicité et à la musique pop. Des artistes tels qu’Eduardo Paolozzi, Andy Warhol et Roy Lichtenstein se sont inspirés de l’imagerie populaire pour créer des peintures qui examinent la relation entre l’art et la vie quotidienne.
Paolozzi est crédité d’avoir inventé le terme « pop » en 1947 avec son collage I Was a Rich Man’s Plaything, qui présentait des images d’une sucette, d’un bombardier de la Seconde Guerre mondiale, d’une pin-up et du logo de Coca-Cola. Son travail s’inspire ensuite du surréalisme et du cubisme dans ses juxtapositions d’images contrastées, de formes confuses et de débris inconscients. De même, le travail de Richard Hamilton, fondateur de l’Independent Group et dont la conférence de 1952 Bunk! a contribué à façonner le pop art britannique, a utilisé des juxtapositions visuelles et la marchandisation de la célébrité pour examiner l’impact des médias modernes.
Même si le sujet variait selon les artistes pop, un thème commun était l’utilisation de la répétition et de la reproduction mécanique. Cela était particulièrement évident dans la manière dont certains de ces artistes utilisaient les techniques d’impression pour démocratiser le processus de création. Warhol, par exemple, a utilisé les sérigraphies pour réduire son rôle dans le processus créatif et renverser davantage les notions d’authenticité artistique. D’autres artistes, comme James Rosenquist, ont créé des riffs sur la signalisation qui soulignent l’impact de l’omniprésence des messages visuels sur la nature de l’art. tableau pop art